Le mot manga associe deux kanji : man (divertissant, sans contrainte) et ga (dessin). Cette étymologie, souvent attribuée au peintre Hokusai au début du XIXe siècle, masque une réalité plus ancienne. Les premières formes de narration séquentielle japonaise remontent à des rouleaux peints du XIIe siècle, bien avant l’apparition du terme lui-même. Retracer la chronologie des grandes oeuvres fondatrices du manga, c’est suivre un fil qui court sur près de neuf siècles.
Emaki et Choju-giga : les racines narratives du manga
Avant le papier imprimé, le Japon développe une tradition de rouleaux illustrés appelés emaki. Ces rouleaux se lisent en les déroulant de droite à gauche, imposant déjà un sens de lecture séquentiel qui préfigure la bande dessinée japonaise.
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Parmi ces rouleaux, les Choju-jinbutsu-giga occupent une place particulière. Réalisés au XIIe siècle et attribués au moine Toba Sojo, ils mettent en scène des grenouilles, des singes et des lièvres dans des postures humaines, satirisant les moeurs du clergé bouddhiste. Aucune bulle de dialogue, aucun texte intégré au dessin, mais une logique de lecture continue où chaque scène découle de la précédente.
Ce qui rend ces rouleaux remarquables du point de vue de l’histoire du manga, c’est moins leur humour que leur technique. Le trait au pinceau crée du mouvement sans recourir à la couleur. Les personnages expriment des émotions par la posture et le geste. Ces codes graphiques – économie du trait, lisibilité du mouvement, exagération comique – traverseront les siècles.
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Hokusai Manga et estampes ukiyo-e : le pont vers la modernité
Au début du XIXe siècle, Katsushika Hokusai publie ses carnets de croquis sous le titre Hokusai Manga. Ces recueils ne racontent pas une histoire continue. Ils compilent des milliers de dessins – paysages, artisans, animaux, expressions faciales – dans un style à la fois didactique et spontané.
L’apport des estampes ukiyo-e à la future bande dessinée japonaise dépasse Hokusai. Kawanabe Kyosai, dont le travail a été réévalué récemment (notamment dans le catalogue « Kyosai: The Israel Goldman Collection » du Royal Academy of Arts en 2022), pousse l’exagération satirique encore plus loin. Ses compositions dynamiques, peuplées de démons et de personnages grotesques, anticipent la liberté graphique du manga contemporain.
Les estampes installent aussi un rapport spécifique entre texte et image. Les légendes accompagnent le dessin sans le dominer. Cette cohabitation deviendra une caractéristique du manga moderne, où le texte reste subordonné au flux visuel.
Mangaka d’avant-guerre : les pionniers oubliés des années 1930
Le récit habituel fait d’Osamu Tezuka le père fondateur du manga moderne. Des travaux récents, notamment ceux de Ryan Holmberg publiés dans diverses revues académiques depuis 2015, obligent à nuancer cette lecture. Tezuka synthétise et popularise un ensemble de pratiques déjà existantes plutôt qu’il ne les invente.
Plusieurs auteurs des années 1930-1940 méritent une place dans cette chronologie :
- Tagawa Suiho crée Norakuro, un chien soldat dont les aventures sérialisées installent le principe du personnage récurrent avec une continuité narrative sur plusieurs volumes
- Yokoyama Ryuichi développe des gags séquentiels et une mise en scène dynamique qui influencera directement les codes du manga d’humour
- Les magazines illustrés pour jeunes filles de l’ère Taisho et du début de Showa, comme Shojo no Tomo, développent des codes graphiques propres – grands yeux, mise en page aérienne, intériorité des heroines – qui nourriront le shojo manga des décennies suivantes
Ces apports, longtemps éclipsés par la figure de Tezuka, montrent que le manga d’après-guerre hérite d’un écosystème éditorial et graphique déjà structuré.
Le cas des magazines pour jeunes filles
L’historienne Deborah Shamoon, dans ses recherches sur le shojo (notamment Passionate Friendship, réactivées dans des travaux plus récents), a documenté comment ces publications développaient dès les années 1910-1930 une esthétique distincte du shonen. La mise en page y privilégiait l’émotion intérieure sur l’action, posant les bases d’un courant qui produira, des décennies plus tard, des oeuvres majeures.
Osamu Tezuka et Shin Takarajima : le tournant d’après-guerre
En 1947, Tezuka publie Shin Takarajima (La Nouvelle Ile au trésor). L’oeuvre emprunte au cinéma ses cadrages, ses angles de vue, ses ellipses temporelles. Les cases ne se contentent plus d’illustrer un texte : elles construisent un rythme visuel autonome.
Tezuka se distingue de ses prédécesseurs par la combinaison de trois éléments. Le premier est le volume : ses oeuvres comptent des centaines, parfois des milliers de pages, installant une narration longue inédite. Le deuxième est la diversité thématique : de la science-fiction (Tetsuwan Atom, connu en France sous le nom Astro Boy) au drame médical (Black Jack), Tezuka démontre que le manga peut aborder tous les sujets.
Le troisième est l’influence directe du langage cinématographique sur la construction des planches. Tezuka contribue aussi à structurer l’industrie. Le modèle de la prépublication en magazine hebdomadaire, suivi de la compilation en volumes reliés (tankobon), devient le standard éditorial japonais. Ce modèle économique explique en partie la productivité colossale des mangaka et la diversification des genres.
Dragon Ball, Akira et l’exportation mondiale du manga
Dans les années 1980, deux oeuvres accélèrent la diffusion internationale du manga. Dragon Ball de Toriyama Akira, publié dans le Weekly Shonen Jump à partir de 1984, installe les codes du shonen de combat : progression du héros, tournois, montée en puissance des adversaires. Sa saga devient une référence pour des générations d’artistes.
Otomo Katsuhiro publie Akira entre 1982 et 1990. Le niveau de détail graphique, la complexité narrative et les thèmes (urbanisme, pouvoir, mutation) positionnent le manga comme un art capable de rivaliser avec la bande dessinée franco-belge ou le roman graphique américain sur le terrain de la sophistication.
La France devient le deuxième marché mondial du manga, un fait qui témoigne de la capacité de ces oeuvres à toucher un public éloigné du contexte culturel japonais d’origine. Les collections se multiplient chez les éditeurs français, couvrant progressivement l’ensemble des genres – shonen, shojo, seinen, josei.
Cette chronologie, du Choju-giga du XIIe siècle aux séries contemporaines, révèle un trait constant : chaque oeuvre fondatrice du manga absorbe les techniques de son époque (rouleau peint, estampe, cinéma, animation) pour les traduire en narration graphique. Les mangaka d’aujourd’hui travaillent sur un substrat qui a près d’un millénaire de profondeur, ce que la seule mention de Tezuka ou de Dragon Ball ne suffit pas à restituer.
