C’est quoi la peinture ?

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Le mot « art » est un mot polysémique. Poly= plusieurs, semic = signification.

Comme le mot artiste, le mot « art » a plusieurs significations. Nous parlons d’art en parlant d’une activité (peinture, sculpture, etc.), d’un produit (une œuvre d’art), ou de l’idée d’une activité (l’art du jardinage, l’art de déranger les autres…).

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L’art est le propre de l’être humain. La nature ne crée pas, elle produit et se reproduit. Je le dis bien sûr avec le plus grand respect de la nature : pour moi c’est une source inépuisable d’inspiration et mon connexion avec les animaux et les éléments est extrêmement forte. Mais si la nature crée parfois quelque chose, c’est « par accident ». Comme un enfant pourrait peindre une toile abstraite « par accident ».

Dans cet article, je voudrais partager avec vous mes connaissances et croyances sur l’art. Ensuite, c’est à vous de faire votre propre idée, et de la partager avec nous dans les commentaires pour alimenter le débat.

J’ai décidé d’organiser mes idées et de les partager avec vous en suivant le cours de la vie : l’art dans le passé, l’art dans notre présent et l’avenir de l’art.

Leçons du passé

L’histoire de l’art nous enseigne beaucoup sur nous-mêmes. Et dans la peinture comme dans la vie, le passé est là pour nous aider à mieux comprendre le présent, mais certainement pas pour le reproduire. Sinon, nous vivons dans le passé, et il n’y aura plus d’évolution. Il est donc important de comprendre que ce que nous définissons comme l’art dans le passé ne sera pas nécessairement de l’art dans le présent ou dans l’avenir.

L’art dans le passé est divisé en trois périodes : l’art ancien, l’art moderne et l’art contemporain. Je ne vais pas m’étendre sur cela, le but n’est pas de suivre un cours d’histoire de l’art. Voici donc un résumé très rapide.

Un peu d’histoire de l’art

Mona Lisa (Mona Lisa) — Léonard de Vinci, ~1510

L’art ancien est tout ce qui se réfère à l’art avant le milieu du XIXe siècle (~1870). L’arrivée des peintres impressionnistes sonne la fin de l’art ancien et le début de l’art moderne. Certains diront qu’Édouard Manet est l’initiateur de l’art moderne et d’autres, comme Picasso, nommeront Paul Cézanne comme le véritable père de l’art moderne. Mais disons qu’on est dans ces rencards. L’art moderne, quant à lui, est une période qui se termine vers 1950 avec l’arrivée du pop-art. Cette période est alors appelée « art contemporain »

, une période dans laquelle nous vivons encore, a priori.

Pourquoi « a priori » ?

Parce que c’est l’histoire qui nous le dira. En effet, les premiers peintres impressionnistes ont été ridiculisés, critiqués, éprouvés, bafoués, refusés avant de commencer à s’installer tranquillement (pour enfin battre tous les records de vente jusqu’aux environs des années 1990). Au début, certains de ces artistes échangeaient leurs toiles pour acheter leurs tubes de peinture. Donc, à l’époque, personne ne disait : « C’est le début de l’art moderne !  »

L’art comme marque du temps

La leçon que nous apprend ce passé est que L’art (avec un grand A) est défini au fil du temps. Que lorsque nous avons « notre nez dedans », il est difficile de savoir si nous construisons quelque chose de plus grand que nous, ou si nous tomberons dans l’oubli.

Il est donc important de continuer à faire ce que nous voulons, et non d’essayer de plaire. Parce que si les peintres impressionnistes avaient cherché à plaire, ils n’auraient tout simplement pas existé.

Le autre leçon est qu’un mouvement ou un art se déroule dans le contexte . Je m’explique : la technique utilisée par les impressionnistes est actuellement maîtrisée par de nombreux peintres. Et pourtant, ils ne passeront pas à l’histoire. Non seulement parce que l’effet de l’originalité est passé, mais aussi (et surtout) parce qu’il ne s’accompagne pas de tout le contexte social et culturel de l’époque. Car à l’époque, les impressionnistes étaient des rebelles qui ont enfreint tous les codes de l’art et prétendaient que la vision académique et institutionnelle de l’art était terminée. Ce n’est pas du tout le cas des peintres impressionnistes actuels, au contraire. Même si je trouve cette façon de peindre belle, elle est devenue « classique ». Cela n’enlève en rien sa beauté, mais réduit son impact d’un point de vue socioculturel.

L’art comme langage des sens

Les arts ont toujours été décrits comme un langage universel, car ils traitent de notre les sens, et tous les êtres humains ont les mêmes récepteurs de sensibilité. Nous voyons avec nos yeux, entendons avec nos oreilles, etc. Ensuite, si elle aime ou non est une autre histoire, comme nous venons de le voir (il y a aussi des codes culturels, temporels, sociaux, etc., mais je simplifie ici).

D’une sensation surgit souvent une émotion  : le cœur qui bat vite et le souffle coupé sont des sensations qui suscitent par exemple la peur, ou au contraire, la joie, qui sont des émotions. Alors ces émotions elles-mêmes donnent naissance à des sentiments à plus long terme : sentiment de deja vu, sentiment de bien-être, sentiment de malaise, etc. L’art est une façon d’aborder tout ce système complexe, à la fois primitif (sensations>>> émotions) et très évolué (émotions>>> sentiments).

Un exemple simple : lorsque vous surprenez soudainement quelqu’un, le sentiment de base est le même. L’émotion ressentie alors est la peur. C’est la réaction primitive. Ensuite, plusieurs sentiments peuvent apparaître en fonction de la personne : certains riront à cela, d’autres pleurent, d’autres se fâchent encore. Certains penseront à la vengeance juste et drôle, d’autres penseront à une vengeance disproportionnée. C’est la partie la plus « évoluée ».

L’art, aborder tout est un système sensible, défie le temps et l’espace puisque les humains auront toujours des sens à stimuler.

Parfois, vous devez vous perdre pour vous retrouver mieux — ©liliFlore — disponible

L’art dans le présent

Art vs Techniques

Voici ma théorie : tout « art » en soi est voué à se transformer en artisanat, voire une technique simple au fil du temps.

Par exemple, l’art de la peinture comme les impressionnistes est maintenant enseigné comme une technique. Et certains peintres actuels le maîtrisent parfaitement. S’ils se contentent de le reproduire, sans intention particulière et authentique, leur approche est plus proche de l’artisanat que d’autre part, s’ils cherchent à exprimer et/ou partager un message (intime, profond, subtil…) grâce à cette technique, nous restons dans le domaine de l’art.

La seule façon de différencier ces deux cas est de lire l’approche de l’artiste et de découvrir son message. Pour une « belle œuvre » peut avoir été créée avec l’une ou l’autre intention. Et inversement, a priori travail laid peut avoir une grande valeur artistique en relation avec l’approche de l’artiste, message.

L’exemple parfait est la fameuse « machine à caca » de l’artiste contemporain Wim Delvoye : pour moi, aucune valeur esthétique et quand je l’ai vu à Lyon en 2003, j’ai refusé de rester dans la chambre et je suis sorti immédiatement. Mais maintenant que j’ai lu son approche dans laquelle il dénonce la société de la surconsommation et du gaspillage, l’inutilité de certaines choses, leur absurdité par rapport à leur coût, je comprends très bien, et je trouve que cette approche est très précieuse. Et sincèrement, à l’époque, je n’aurais jamais cru dire ça ! Mais les artistes sont reconnus pour dénoncer, verser de l’encre et par cela même, pour faire avancer le monde. Mimi — « machine à caca », haha !

Ainsi, un art traverse un moment de « dévaluation » quand il se réduit à une technique simple, puis, quand les artistes le prennent pour aller au-delà de la technique et pour aider l’humanité à grandir, il redevient un art. C’est ma lecture basée sur mes observations, bien sûr.

La nouvelle mode

Actuellement, la pratique d’une activité artistique est très à la mode, et je trouve qu’elle apporte beaucoup de beauté et de légèreté à notre monde. Enseignant moi-même la peinture et la créativité, je vois beaucoup de potentiel artistique chez les gens qui s’intéressent à la peinture. Je suis ravi !

Mais ici, rapidement, les gens qui progressent dans leur pratique veulent plaire, même vendre, et « trouver leur style ». Et malheureusement, cette attitude est souvent accompagnée d’une chute dans leur créativité et les conduisent à avoir de plus en plus un pratique technique de la peinture  : ils auto-copient, cherchent simplement à plaire aux acheteurs et oublient la raison profonde pour laquelle ils ont commencé à peindre. Nous approchons alors plus qu’une pratique artisanale, ce qui est parfait pour celui qui fait ce choix si ce choix la rend heureuse (j’ai une grande admiration pour les artisans, que je considère d’ailleurs comme une branche artistique), mais c’est dommage pour l’art qui perd un adepte (du moins temporairement, parce que nous ne savons pas ce que la personne produira à l’avenir).

La nouvelle mode est de penser que si elle est belle, c’est de l’art, et si elle obtient des prix, c’est de l’art.

Eh bien, dans ce cas, la plupart des contrefacteurs seraient des artistes ? Des photocopieurs aussi ?

Ma position

Je sais que certains d’entre vous doivent être contrariés. Parce que je dis toujours « tu peins, tu es un artiste » et cela semble être en contradiction avec ce que j’expose ici. En fait, non, je n’arrête pas de penser. Mais voici la différence : quand vous êtes un artiste débutant, il est normal de ne pas produire une œuvre d’art. D’autre part, lorsque vous êtes professionnel et que vous faites le choix de transformer votre pratique artistique en pratique purement technique, il faut cesser de croire que l’on fait de l’Art avec un grand A. Il est plutôt beau. Et c’est parfait aussi. Le monde en a besoin !

C’est comme un chef renommé qui ne renouvelle plus son menu : c’est toujours excellent, mais il sera tranquillement oublié. Même si c’est toujours aussi bon.

Bien sûr, c’est mon opinion, et personnellement, si je commençais à penser ça, c’est parce que je commençais à me fatiguer de toujours faire la même chose, et soudainement, changer mon style chaque année pour me sentir comme je ne m’autocopiais pas, haha. J’ai ensuite regardé mon « pourquoi je peins » et j’ai réalisé qu’il était temps d’affiner mon approche artistique. Jusque-là, j’avais réduit mon approche à une simple description des techniques que j’utilisais combinée à une description des « visuels » qui m’ont inspiré. Tout d’abord, mais maintenant il est temps de me positionner en tant qu’être humain et de comprendre non seulement « pourquoi je peins », mais aussi « pourquoi j’expose » (lire l’article sur la façon d’écrire votre approche artistique).

Et même si je me considérais toujours comme un artiste, je sais maintenant que ce que j’ai créé auparavant n’était pas nécessairement de l’art ou de l’art embryonnaire. Et c’est maintenant mon nouveau défi : je veux être un artiste qui crée de l’art, et donc, qui repense son approche pour élever mon âme et participer à quelque chose de plus grand. Je veux que mes peintures aient un impact, je veux que mes expositions ouvrent un chemin, je veux que mes peintures soient un déclencheur chez l’observateur. Un déclencheur qui les aide à s’élever aussi.

Et enfin je marche sur mon chemin — ©LiliFlore — vendu

L’avenir de l’art

Résumons…

Actuellement, il est impossible de savoir comment l’art marquera l’histoire, puisque comme je l’ai dit ci-dessus, nous avons un « nez dedans ».

>>> C’est de l’art décoratif ou commercial, très à la mode en ce moment. Il est nécessaire, même vital, parce qu’il nous aide à grandir en tant qu’être humain en apprenant à nous sentir mieux et à toucher le bonheur dans notre vie quotidienne Certains artistes veulent contribuer au monde en faisant la beauté, afin de permettre à chacun de nous de remplir de bonnes énergies et de les accrocher dans notre salon. .

>>> C’est l’art « à la marche » qui vise à partager un message puissant qui transcende la vie quotidienne et, idéalement, qui traverse les frontières et les époques D’autres artistes ont un message, une mission, et cherchent à tout prix à l’exprimer par un canal artistique, pour être sûr de toucher tous les êtres humains. .

Il n’y a pas d’art meilleur qu’un autre. La première est plus proche de la pratique artisanale, mais n’est pas moins louable que la seconde. La seconde fait parfois « chou blanc » en mettant en évidence des artistes qui finissent par tomber dans l’oubli pour la pauvreté de leur message.

Je serai en mesure de parler de cette différence pendant longtemps, et je vais sûrement le faire dans un autre article, car là, je veux revenir à la notion de l’évolution de l’art au fil du temps .

Mais alors, quel est l’avenir de l’Art ?

L’avenir de l’art est nous tous. Parce que, actuellement, la pratique artistique est à la portée de tous : vous avez un accès facile aux outils, à la connaissance, et surtout, nous osons de plus en plus.

Est-ce que tous les artistes novices et professionnels créent de l’art ? Pas nécessairement, mais puisque c’est seulement l’histoire qui décidera, il vaut mieux ne pas vous poser trop de questions.

L’exemple parfait est Gustav Klimt. Il a fait beaucoup d’art commercial (commandes pour les riches bourgeois), et maintenant il est dans les musées pour d’autres raisons.

Conclusion : qu’est-ce que de l’art ?

Légèreté — ©Bruno Larue, photographe

Faire de l’art, c’est s’exprimer grâce à un langage des sens (pour la peinture, le langage visuel) en vue de toucher les sens des autres (émotions, sentiments).

Pour faire belle ou envoyer un message intemporel ? Peu importe, car à la fin, ce qui compte, c’est que l’art aide l’humanité à s’élever (même si parfois il faut des détours inattendus…).

Les étiquettes et les catégories d’art sont là pour nous rassurer, moi d’abord, mais finalement n’ont pas vraiment d’importance. Parce que l’art est comme l’amour : vous pouvez essayer de l’expliquer, mais à la fin, c’est quelque chose que vous ressentez, et c’est la chose la plus importante…

Hâte de lire vos commentaires !

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PS : vous habitez dans la région Laurentienne du Québec, j’enseigne des cours de peinture et de créativité. Plus d’infos ici : cours et ateliers.

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